The Constructed Moment

This blog discusses the way in which we design, make, select, evaluate and publish fashion and advertisement photographies as a sub-genre. This is a place of reflection. We have no unveiled truths, yet we are seeking answers.

sábado, 26 de abril de 2014

A happy horror story.

Texto en español, aqui.

 “Blondes make the best victims. They're like virgin snow that shows up the bloody footprints.”
— Alfred Hitchcook —

Always make the audience suffer as much as possible.
— Alfred Hitchcook —

There are photographers who know exactly what they are doing and without a doubt, Steven Meisel is one of them. In the April issue of Vogue Italy, which we can call his home, he presents us with an extraordinary editorial called horror movie. However, when I started checking it out in websites like, I noticed he has the most difference in qualification between the pubic and the editors of the site, by the time I wrote this: 57% and 90% respectively.

Beyond a shadow of doubt, we’re not looking at the same thing, and yet, I’m not really surprised; I even found the result of this qualification after making the decision of writing about this editorial in particular. It only confirms my first thought about it needing to be commented on.

This editorial isn’t traditional; and although it is on the same line of Water and Oil, or State of Emergency, it isn’t Meisel’s most revolutionary work. It doesn’t apply to the traditional solutions for a fashion editorial; however, for the visual solution of the image, it borrows from another genre, in this case, from the horror and thriller movie genre. Here is where Meisel shines again. It isn’t in the impeccable making, but in understanding that if you have your theme clear in your mind, the visual solution can come from anywhere.

Throughout the history of photography, we have been witness to the enriching of the genre[i] starting from other photographic genres themselves: journalism, erotic photography, nude photography and family photography, which have provided fashion photography with a language to the point that for many, it is hard to determine where one genre ends and the other begins.

In this case, the photographs as horror images are perfectly achieved, they do look as photograms from a horror movie. It only lacked the black and white and the blonde gal (something I would’ve loved to see) for it to have been part of a Hitchcock film. The whole idea of literally copying from the classical images of the genre is not necessary. The similarity to The Shining (Kubrick, 1980) is clear and though I can’t remember the other examples, I know I have seen them before.

This is fundamental when we create images within a specific genre: they have to look similar to something we have already seen, in that way we make it easier for the spectator to understand it. That’s how fashion photos are similar among them and only those who know the genre to perfection can change the rules and present us with something new, even at the risk of not being understood by the public.

Just the way Meisel did with his horror story.

P.S: Right before publishing this entry, I found a couple of articles about the editorial (link), in which it is seen as a minimal view of domestic violence. If we are to go on following this line of thought, then we'd have to say about the horror genre that it inspires the editorial, but it's not the editorial itself. I believe, and I put my foot down here, that the editorial was misunderstood. I also don't think that this is the genre to talk about domestic violence. 

[i] Talking about classifying images in terms of genres seems obsolete to many, still, I consider that it is still fundamental when we talk about constructing an image more so at times when a lot of the aesthetic proposal has a strong component coming from crossing limits and re-contextualizing its use.


martes, 22 de abril de 2014

Una feliz historia de horror.

Text in english, here

Las rubias son las mejores víctimas. Son como nieve blanca y virgen que de pronto muestra pisadas sangrientas.
Alfred Hitchcook

"Siempre haz sufrir a la audiencia lo más que se pueda."
— Alfred Hitchcook —

Hay fotógrafos que tienen muy claro lo que hacen; sin lugar a dudas, Steven Meisel es uno de ellos. En la edición de abril de Vogue Italia, la que podemos llamar su casa, nos presenta un extraordinario editorial titulado: Horror Movie, más al revisarlo en portales como noto que es de los que más diferencia tienen entre la calificación del público y los editores del sitio, con 57% y 90% respectivamente, al momento de escribir estas líneas.

Sin lugar a dudas, no estamos viendo lo mismo, pero en realidad no me sorprende; es más, el resultado de la calificación lo encontré luego de tomar la decisión de escribir sobre esta editorial, solo me confirma mi primera impresión de que necesitaba ser comentado.

Lo anterior, debido a que no es una editorial tradicional, tampoco el más revolucionario de Meisel como lo pueden ser Water and Oil o State of emergency pero está bajo la misma línea de los anteriores. No se aplica a las soluciones tradicionales para una editorial de moda, sino que toma prestado de otro género de la imagen, en este caso, el cine de suspenso o terror para la solución visual de las imágenes. Y es en esto donde Meisel se luce nuevamente. No en la impecable realización, sino en entender que si se tiene claro el tema, la solución visual puede venir de cualquier otro lado. A lo largo de la historia de la fotografía de moda, hemos asistido al enriquecimiento del género[i] a partir de otros géneros fotográficos: el periodismo, la fotografía erótica, la misma fotografía de desnudo o las fotos familiares, han aportado al lenguaje de la fotografía de moda, a tal punto que para muchos es difícil determinar dónde termina un género y dónde comienza el otro.

En este caso, las imágenes como imágenes de terror son perfectamente realizadas, parecen fotogramas de un film de terror. Solo faltó el blanco y negro, y la rubia (cosa que me hubiera encantado) para ser de una película de Hitchcock; más el asunto de copiar literalmente imágenes clásicas del género, no es necesario, aunque el referente a The Shining (Kubrick 1980) es claro, no puedo recordar los otros pero quedo con la sensación de haberlos visto antes. Lo cual es una característica fundamental cuando realizamos imágenes dentro de un género: deben parecer algo que hayamos visto antes, así facilitamos al espectador el poder entenderlo, de esa manera las fotos de moda se parecen entre sí, al igual que la películas de terror se parecen entre ellas y solo aquellos que conocen el género a la perfección pueden cambiar sus reglas en el proceso de presentarnos algo nuevo; aún, a riesgo de no ser entendidos por el gran público.
Tal como le acaba de pasar a Meisel con su historia de horror.

PD. A punto de publicar esta entrada, encuentro un par de notas al respecto de la editorial (link) que manifiestan que es una trivialización de la violencia doméstica. En ese orden de ideas tocaría decir eso del género del terror, que inspira la editorial no de la editorial en sí. Y creo, me mantengo en mi punto, la editorial fue mal entendida. Tampoco creo que sea el género para hablar del problema de la violencia doméstica.

[i] Para muchos puede parecer obsoleto el asunto de clasificar la imagen a partir de géneros, mas considero sigue siendo fundamental cuando nos referimos a la construcción de la imagen, y mas aun en momentos donde muchas propuestas estéticas tienen un fuerte componente a partir de la transgresión de sus limites y la re-contextualización de su uso.


domingo, 20 de abril de 2014

Too much is not best.

 Texto en español, aqui

“Less is more.”

 "Once machine can do the work of fifty ordinary men.
No machine can do the work of one extraordinary man.”

“Our job should be making people dream.”

There are more and more photographers everyday. However, even though the quantity of them increases, it doesn’t necessarily mean that the quality of the images we see on a daily basis is any better. With this amount of new photographers trying to break ground, comes an amount of low-quality images in almost every means, which in return are sponsored by those who have an inadequate ability to assess what is photographic and are deciding what material is going on print; starting from the authors themselves and ending in the so-called editors.

We have left behind the famous less is more, which in terms of photography refers to the final shot, the one that would survive a rigorous selection process and would come victorious at the end of a shooting; it was synonym of a more efficient and convincing communication. It was a unique image resulting of the publishing cost.

Nowadays, we want lots of pictures, whose quality is not important. We want a thousand different shots of the same subject in order to share them in another thousand social network outlets, thanks to the lowest publishing cost it conveys. In many cases, images no longer make the difference and yet they do help ego manifest as being present during a photography production: I was there!
I’ve been telling this to my clients more often, lately. They are the direct beneficiaries of the image. In much less times, I’ve told this to others who are responsible for the image and who, at the same time, are more preoccupied with taking a picture with their cell-phone instead of paying attention to what is going to be the final shot they are going to receive. All this comes with questioning whether or not they are aware of the fact that what is on the line is the image of their brand; the image that will be a projection of their work and is not a photo to remember.

I recall an anecdote of a photographer whose client asked him if he had a certain photo, speaking of it not in relation to the clothing on it but as if she’d taken it from the place and angle where she was. Her cell-phone was at the center of the photographic production.

In the same way, I see more fellow photographers talking ‘professional’ in regard to the way to use the camera, not the construction of the image. They describe the photographer who offers his equipment, has locations available, edits and archives the result of the shooting as professional. These are matters that don’t reflect directly on the final image and that in other places are characteristics of the photographer’s professionalism. The clients by means of the producer of the image are the ones who directly pay for locations, rent of the necessary equipment and obtain as an additional service the archiving and retouching of the images. In these places, the photographer offers a simple and fundamental service: make an image that is convincing when communicating.
Anything else is nothing but words.


lunes, 7 de abril de 2014

Muchos, no es mejor.

Texto en ingles, aqui

“Menos es mas”
— Ludwig Mies Van Der Rohe —

 "Una máquina puede hacer el trabajo de 50 hombres corrientes. Pero no existe ninguna máquina que pueda hacer el trabajo de un hombre extraordinario."
— Elbertt Hubbard

"Nuestro trabajo debería hacer soñar a la gente."
Gianni Versace

Cada día hay más fotógrafos, su cantidad aumenta considerablemente, lo que no necesariamente hace que la calidad de las fotografías que vemos día a día sea mejor. Con esta cantidad de fotógrafos que tratan de abrirse camino, aparece una baja de la calidad de la imagen fotográfica en casi todos los medios patrocinada por una muy deficiente capacidad de evaluar lo fotográfico por parte de aquellos que a la hora final deciden que material publicar: empezando por los propios autores para terminar en muchos autodenominados editores.

Atrás ha quedado el famoso menos es mas, que aplicado a lo fotográfico hablaba de la foto final, aquella que sobrevivía a un riguroso proceso de selección y se erigía como la imagen triunfante de una sesión fotográfica, sinónimo de la comunicación mas eficiente y contundente. Imagen única también como consecuencia de los costos de su publicación. Hoy queremos muchas fotos, su calidad no importa, queremos mil tomas distintas del mismo sujeto para compartirla en otras mil redes distintas gracias a un bajísimo costo de publicación donde en muchos casos como imagen no marcara la diferencia; pero ayudaran al ego a manifestarse como presente en una producción fotográfica, yo estuve allí‼

Digo lo anterior ya con cada vez mas frecuencia ve uno a los clientes, los directos beneficiarios de la imagen, y en pocos casos a otros responsables de la imagen mas preocupados por hacer una foto con su celular que por estar pendientes de la imagen final que se esta produciendo, surgiendo la duda de si saben que en realidad que esta en juego la imagen de su marca, su producto, la imagen como proyección de su trabajo y no una foto para el recuerdo.

Viene a mi memoria la anécdota de un fotógrafo al que el cliente le mando a pedir que si tenia X foto, refiriéndose no a la prenda que aparecía en la imagen sino como si él la hubiera tomado desde la misma posición y ángulo en el que el cliente estaba. Su celular era el centro de la producción fotográfica.

Por otro lado veo cada vez a mas de nuestros fotógrafos hablando que lo profesional es la manera de usar la cámara, no la de construir la imagen. Que describen como profesional que el fotógrafo ofrece sus equipos dispone de lugares para la toma y archiva y edita el resultado del trabajo, asuntos que no se reflejan directamente en la imagen final y que en otras latitudes, son atributos del profesionalismo del fotógrafo ya que los clientes a través del productor de la imagen son los que pagan directamente las locaciones, alquilan los equipos necesarios y consiguen como servicios adicionales el guardado y retoque de las imágenes. Latitudes donde el fotógrafo ofrece un sencillo y fundamental servicio: hacer una imagen que sea contundente a la hora de comunicar.

El resto son simple palabras.